VICTOR VASARELY. Serie SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

BREVE ANÁLISIS FORMAL DE OBRAS

Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 1908 - París, Francia, 1997)

Vasarely es pionero y uno de los máximos exponentes de Arte óptico. Produce una obra de carácter sistemático, susceptible de ser integrada a distintas formas de expresión incluyendo la arquitectura. Su manera de entender el arte como “trabajo”, parte de las ideas de la Bauhaus sobre la funcionalidad plástica. Estudió diseño gráfico en la Podoline Volkmann Academia Muhely, la Bauhaus de Budapest. En 1930 se traslada a París, y a la par de su profesión como diseñador y publicista desarrolló una obra pictórica simbiótica entre geometría y figuración, eventualmente influenciada por el Cubismo, el Surrealismo y el Constructivismo. En 1939, conoce a Denise René y junto a ella, inició la travesía de la abstracción geométrica, línea artística que lo colocó en el camino del arte óptico.

 Erebus, 1974

 Serigrafía, 164/200

 Soporte: 75.3 x 56.6 cm Imagen: 75.3 x 56.6 cm

 Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Erebus cuya impresión está fechada en 1974, corresponde, al período Cristal-Gordes desarrollado por Vasarely entre 1948 y 1960. En este período inició sus investigaciones sobre la versatilidad de las formas. Se inspiró en elementos de su entorno los cuales redujo a figuras geométricas y planas, dispuestas en positivos y negativos, al modo de la Gestalt.

Lapidaire EE, 1971

Serigrafía, 243/265

Soporte: 78.2 x 68.2 cm Imagen: 63 x 65 cm

Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Lapidaire EE de 1971, pertenece a su serie Homenaje al hexágono. La composición dividida en cuatro planos, presenta el cubo permutado simétricamente sobre el plano. Las figuras cúbicas están realizadas según una perspectiva axonométrica, algo irreal y exagerada, cuyo balance da un efecto óptico tridimensional. A través de este juego de perspectivas se crea una ilusión visual que hace percibir los cubos como relieves o entrantes. Las unidades plásticas forma-color son representadas a través de pequeños círculos y rombos inscritos en los cuadrados; asimismo, el uso de tres colores pero en diversas tonalidades ofrece posibilidades infinitas de combinación.

 Axo Pal, 1973

 Serigrafía, 7/267

 Soporte: 75.2 x 75.2 cm. Imagen: 75.2 x 75.2 cm.

 Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Axo Pal, de 1975, muestra un estilo similar a Lapidaire; de fondo tridimensional, la pieza sugiere un juego visual inducido por la disposición de dos hexágonos en un primer y segundo plano.

 Tavoll Rouge, 1972

 Serigrafía, 78/190

 Soporte: 71.7 x 76 cm Imagen: 64.5 x 68 cm

 Colección FMN/Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez

Tavoll rouge de 1972, presenta una composición conformada por manchas de figuras rectangulares y cuadrados. A estos planos se le superponen pequeños óvalos. Los óvalos no basculan como en otras obras de este mismo estilo, pero colocados en diversas direcciones hacen vibrar la superficie. En estas últimas tres piezas es importante resaltar el logro de efectos espaciales inusitados, no naturales, pero de gran dinamización plástica.

Textos: Anny Bello

Publicado en el catálogo: Donación Denise René. Siete maestros del geometrismo. Colección Museo Carlos Cruz-Diez. Caracas, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, junio 2004. 

Imágenes referenciales tomadas del mismo catálogo 

SOBRE LA ABSTRACCIÓN. SIETE MAESTROS DE LA ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA

Texto publicado en el catálogo

DONACIÓN DENISE RENÉ. SIETE MAESTROS DEL GEOMETRISMO

COLECCIÓN MUSEO CARLOS CRUZ-DIEZ

Inauguración 6 de junio de 2004 Exposición Nro 44 Catálogo Nro 17 Textos Susana Benko / Anny Bello Coordinación Katherine Chacón / Susana Benko / Anny Bello Museografía Daniel Hernández Conservación Luis Quintero / José Navas Registro Ana María Moreno / Jenny Villamizar Coordinación editorial Katherine Chacón Diseño gráfico John Moore Fotografías Jorge Parra Calibración de color John Moore Preprensa Imagen Color Impresión Gráficas Acea Edición 1500 ejemplares Depósito Legal lf7620047001296

Las artes plásticas en occidente tuvieron su fuente de inspiración en la naturaleza hasta principios del siglo XX, momento en que se manifiesta por parte de muchos artistas el deseo de crear obras con escasos o ningún referente con la realidad. El cuestionamiento al arte figurativo da el impulso para emprender caminos distintos a una tradición artística decimonónica que no satisfacía el ímpetu renovador de los artistas de la nueva centuria.

Desde finales del siglo XIX, el francés Paul Cézanne inicia tímidamente lo que se ha considerado el antecedente inmediato de la abstracción. Cézanne sintetizó sus naturalezas muertas y paisajes en formas geométricas, sin abandonar la figuración en su totalidad. Más adelante, a comienzos del siglo XX, Pablo Picasso descompone las figuras y en un mismo plano coloca diversas perspectivas del mismo objeto.

Será a partir de 1910, que artistas de distintas nacionalidades se atrevan a experimentar de manera sistemática la abstracción, la que consideraron como el principal atributo de la vanguardia. Vassily Kandinsky ralizó en 1910 una acuarela con manchas de color que anuncian un temprano ejemplo del arte abstracto moderno. A Kandinsky se le debe el primer tratado teórico sobre esta tendencia, De lo espiritual en el arte, escrito en 1910 y publicado en 1912, donde definió una corriente lírica y mística de la abstracción. En 1915, Kazimir Malevitch en la antigua Rusia, le da el nombre de Suprematismo a las composiciones que realiza con formas geométricas. La intención era alejarse de lo descriptivo en la pintura y, buscar en cambio, un arte autónomo. Entre 1917 y 1918, Piet Mondrian publica en la revista De Stijl sus ideas sobre la abstracción, denominando Neoplasticismo a su estilo. Mondrian consideró los elementos plásticos, colores primarios y rectángulos como la expresión universal del arte, sus obras había un fuerte contenido racional. Theo Van Doesburg, a través de su Manifeste sur l´art concret de 1930, propone el término de “arte concreto”, basado también en la relación forma-color.

Con la intención de unir a los artistas que seguían el movimiento abstracto, indistintamente de los particulares estilos, en París de 1919, Joaquín Torres-García y Michel Seuphor, apoyados por Mondrian, Jean Arp y George Vantongerloo, formaron el grupo Círculo y Cuadrado que luego de su disolución en 1931, se reagrupará con el nombre de Abstracción-Creación. A estas agrupaciones les une un objetivo: crear un arte universal con cualidades formales propias e independientes, un “nuevo realismo”.

A pesar de ser el abstraccionismo un arte que se inicia a principios del siglo XX, es sólo a partir de 1946 que será considerado por los centros artísticos parisinos pues la escena visual estaba dominada en buena parte por el Surrealismo. Este hecho se debe al gran impulso de la Galería Denise René que se encargó de promover a los artistas consagrados y a la nueva generación de abstractos, al Salon des Réalités Nouvelles (1946-1956), a la revista de arte abstracto Art d´aujourd hui (1949-1955), y decisivamente al compromiso de muchos artistas por continuar con esta corriente artística.

La abstracción geométrica sentó las bases de tendencias que en esta misma línea, como el Cinetismo y el Arte óptico, se desarrollaron después de la Segunda Guerra Mundial. El arte óptico fue abrazado tanto en Europa como en América. Ambos proponían un arte en movimiento y la aplicación de los principios científicos de la percepción visual. El arte óptico como su nombre lo indica, simulaba el movimiento producido por efectos retinianos. Entre otros, tiene sus máximos exponentes en los artistas Josef Albers y Víctor Vasarely, quienes realizaron obras geométrica con apariencia tridimensional, de estructuras repetitivas y efectos cromáticos. El cinetismo plantea el movimiento real, logrado, bien por obras que compiten con la gravedad, como los móviles, por ilusiones ópticas, por aparatos electromagnéticos, motores o efectos lumínicos. Estas tendencias no se disocian, el fin es el mismo, la implicación del espacio, el tiempo y el sujeto en la obra. Las variaciones dependerán del soporte en el cual se realizan.

Texto: Anny Bello

Bibliografía

Blok, Cor. Historia del arte abstracto (1900-1960). 2da Edición, Madrid, Editorial Cátedra (Colección Cuadernos de Arte), 1987.

De Micheli, Mario. Las vanguardias artísticas del siglo XX. Madrid, Alianza Editorial, 2002.

Ferna, G. José M. Y Gómez C. Adolfo. Conceptos fundamentales del arte. Madrid, Alianza Editorial, 2000.

Jean Arp (1886-1966). Esculturas, relieves, obras sobre papel, tapices. Madrid, Ministerio de la Cultura, 1985.

Joray, Marcel. Vasarely. Suiza, Ediciones du Griffon, 1977.

Josef Albers. Homenaje al cuadrado. New York, The International Council of The Museum of Art Modern, 1964.

Mondrian, Piet. La nueva imagen en la pintura. España, Comisión de Cultura del Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos, 1983.

Morellet. París, Editions du Centre George Pompidou, 1986.

Moszynska, Anna. El arte abstracto. Singapur, Ediciones Destino (Colección El mundo del arte), 1996.

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