domingo, 25 de noviembre de 2012

FRANZ ACKERMANN


Franz  Ackermann
Noviembre-diciembre 2012
Faena Arts Center, Sala Molinos
Aimé Paine 1169, Puerto Madero
Buenos Aires, Argentina (1137)
Teléfono: + 11 4010 9233

Durante diez días hice caminatas diarias, desde La Boca hasta Palermo, y anduve en bicicleta junto al Río de la Plata. Tomé el tren hasta el final de la estación y volví caminando hasta donde sentí que era interesante. No es que haya encontrado cosas interesantes a cada momento: sólo la vida cotidiana. Hubo aburrimiento, sol, lluvia, buenas y malas calles. A veces café muy malo; brillante la mayoría de las veces. Me gusta el anonimato. Me gusta la forma de urbanismo en la que sos sólo una parte de una situación muy compleja. Caminando en Once podés sentir diferentes capas de la economía, el tiempo, la moda, las tendencias. Observar a la gente es muy interesante.
Franz Ackermann



Al ingresar a la sala Molinos de Faena Art Center me asalta una sensación de encuentro-desencuentro: un amplio cubo blanco alberga un gran mural de Franz Ackermann. Esta propuesta que se había iniciado con la visita del artista en septiembre de este mismo año a Buenos Aires, se materializa en esta colorida puesta en sala. De un largo deambular por la ciudad, Ackermann capturó con su cámara las imágenes que aquí condensan –según su ojo- un mapeo de Buenos Aires: calles, trenes, cortes de carne, plazas, edificios, vallas, amalgamadas en una “obra única”, acoplada por varias secciones y con la intervención del collage en algunas de sus partes. Los lienzos de gran tamaño, de contrastantes colores y formas abstractas dialogan con una pequeña serie de pequeñas fotografías en blanco y negro producto de su recorrido. Vinculado a la experiencia situacionista, Akermann engrana así dos modos de ver, el registro fotográfico con una obra pictórica que por su tamaño pudiera ser vista como un gran mural, pero carente de la carga urbana (pensando en las intervenciones callejeras como el grafiti) en cuanto está circunscripto a un espacio cerrado, una sala de arte. Sin embargo, al mismo tiempo esta obra site specific, encargada y concebida especialmente para los espacios del Faena Arts Center, se acerca a la tradición de los muralistas mexicanos, que con un alto sentido del oficio, realizaron buena parte de sus obras en los interiores de edificios públicos.









Biografía
Nació en Neumarkt St. Veit, Alemania, en 1963. Estudió en la Akademie er Bildenden Kunste en Munich y en Hochschule fur Bildende Kunst en Hamburgo. En 1991, recibió la beca DAAD, que le permitió hacer su primer viaje a Asia, estableciéndose durante un año en Hong Kong. Los viajes se han transformado en la piedra fundamental de sus obras. Experimentando con prácticas inspiradas en la deriva situacionista y de psicogeografía, se vale de fotografías y bocetos que realiza a lápiz, tinta o acuarela, tomados durante sus viajes, para realizar mapas mentales. No se trata de reproducciones miméticas, sino de una síntesis entre el mundo físico y el psicológico. A partir  de éstos, compone sus instalaciones de gran escala, conglomeraciones de colores vibrantes que enfrentan al espectador con una perspectiva colapsada de espacios pictóricos, geográficos y arquitectónicos. Para Ackermann sus travesías y experiencias son parte del proceso creativo. Ha expuesto individualmente en Kunstmuseum Bonn, Irish Museum of Modern Art, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museum of Contemporay Art de Chicago, entre otros. Sus obras se encuentran en importantes colecciones como la Daimler Contemporary de Berlín e Inhotim Centro de Arte Contemporánea, Minas Gerais.

Nota: Datos biográficos y cita textual tomados de la publicación didáctica del Faena Arts Center, editada en ocasión de la exposición. Noviembre de 2012, Buenos Aires, Argentina.

Enlaces de interés:

viernes, 23 de noviembre de 2012

Arte de contradicciones. Pop, realismos y política. Brasil-Argentina 1960


Arte de contradicciones. Pop, realismos y política. Brasil-Argentina 1960.
Curadores: Paulo Herkenhoff y Rodrigo Alonso.
Marzo-septiembre 2012.
Fundación Proa. Av. Pedro de Mendoza 1929 Buenos Aires, Argentina.
De martes a domingos, de las 11 a las 19 hrs. Lunes cerrado.
Teléfono: +54 11 41041000 / info@proa.org
www.proa.org

La exposición itinerará por varios museos de Brasil. Hasta finales del 2012 en el Museu Oscar Niemeyer, en febrero del 2013 en la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo (GAMeC) y finalmente en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM), bajo los auspicios de la Ley de Incentivo Cultural - Ministerio de Cultura de Brasil y la Embajada de Brasil en Argentina, y con el aporte de Tenaris Confab y Ternium - Organización Techint.


Antes que nada, debo decir que hacer una curaduría es siempre construir un discurso simbólico con signos construidos por otros, por terceros, que son los artistas.
Entonces se trata de un discurso sobre el discurso de otro.
Eso crea una doble responsabilidad: con los artistas y la sociedad.
Paulo Herkenhoff[1]

Arte de contradicciones. Pop, realismos y política. Brasil-Argentina 1960, esteblece los nexos artísticos y culturales entre ambos países durante los años sesenta. Como lo señala Arnold Herkenhoff, uno de sus curadores, los antecedentes disparadores para el planteamiento del proyecto curatorial fueron dos exposiciones, una sobre la nueva figuración y otra sobre Berni, las cuales a su consideración, influyeron de manera significativa el arte brasileño de los años sesenta. Esta muestra se engrana con dos anteriores exposiciones sobre arte contemporáneo argentino, Imán: Nueva York. Arte argentino de los años 60 (2010) y Sistemas acciones y procesos 1965-1975 (2011), ambas curadas por Rodrigo Alonso. Muestras que articulan distintas aristas de una misma época, tejiendo un complejo entramado histórico y artístico. Al respecto, Adriana Rosenberg, directora de Proa, esclarece los objetivos programáticos de esta institución,

Ya desde hace dos años, Fundación Proa viene produciendo exposiciones y catálogos sobre la década del sesenta: Imán: Nueva York y SAP: Sistemas, Acciones y Procesos. Este nuevo desafío está en sintonía con nuestro programa. Fue Bruno Assami quien tomó a su cargo la dirección del proyecto y convocamos nuevamente a Rodrigo Alonso como colaborador.[2]

En este sentido se retoman algunas situaciones ya planteadas en las anteriores exposiciones que menciona Rosenberg, pero ahora puestas en diálogo con el panorama brasileño, en términos, no tanto de correspondencias, sino de visibilizar cómo los artistas sumergidos en los lenguajes de vanguardia como el pop y los nuevos realismos, captaron y readaptaron críticamente situaciones políticas complejas, signadas en ambos países por dictaduras que dieron un matiz e intención distintas al pop neoyorkino o inglés. La primera sala condensa y sumerge inmediatamente en las contradicciones históricas por medio de las imágenes. Ejemplicado claramente con el diálogo de la obra alusiva al Che Guevara, Un guerrillero no muere para que se lo cuelgue en la pared de Roberto Jacoby; la instalación de Coca-Cola de Cildo Meireles, Inserções em circuitos ideológicos; la escultura La civilización occidental y el cristiana de León Ferrari, y Lute de Carlos Zílio.

Cildo Meireles. Inserções em circuitos ideológicos, 1970

León Ferrari. La civilización occidental y el cristiana, 1965

Roberto Jacoby. Un guerrillero no muere para que
 se lo cuelgue en la pared
, 1968
La exposición reúne cincuenta y nueve artistas: Maria Louise Alemann, Claudia Andujar, Artur Barrio, Luis Fernando Benedit, Antonio Berni, Oscar Bony, Delia Cancela, Raymundo Colares, Waldemar Cordeiro, Eduardo Costa, Jorge de la Vega, Miguel de Lorenzi, Antonio Dias, León Ferrari, Nicolás García Uriburu, Anna Bella Geiger, Rubens Gerchmann, Edgardo Giménez, Carlos Gorriarena, Alberto Greco, Carmela Gross, Grupo REX, Alberto Heredia, Narcisa Hirsch, Roberto Jacoby, Kenneth Kemble, Wesley Duke Lee, Nelson Leirner, Rómulo Macció, Ivens Machado, Anna María Maiolino, Sameer Makarius, Antonio Manuel, Cildo Meireles, Walter Mejía, Pablo Menicucci, Manoel Messias, Marta Minujín, Montez Magno, Luis Felipe Noé, Hélio Oiticica, Lygia Pape, Federico Manuel Peralta Ramos, Décio Pignatari, Wanda Pimentel, Dalila Puzzovio, Glauco Rodrigues, Gilvan Samico, Rubén Santantonín, Maria do Carmo Secco, Antonio Seguí, Charlie Squirru, Pablo Suárez, Evandro Teixeira, Miguel Ángel Telechea, Claudio Tozzi, Carlos Vergara, Carlos Zilio; más de ciento cincuenta obras[3] de distinto formato y medios, así como fotografías y documentos, que dan cuenta de una corriente figurativa que emergía con fuerza y que históricamente representa fuentes de expresión llenas de fuerza y contundencia en una época marcada por importantes y desafiantes acotencimientos. 

         El abstraccionismo y el arte de sistemas fue un tipo de respuesta, la figuración fue otra. Lenguajes emergentes que arremetían contra sistemas de consumo, militancias políticas, vaivenes  económicos, cambios sociales y situaciones de género. Las palabras claves de la exposición a decir de Rosenberg son la ambigüedad y la contradicción. Mismas que se presentaron en las artes incluso bajo una muy amplia denominación de figuración, que incluía tendencias como el pop y las nuevas figuraciones caracterizados abiertamente por la reflexión crítica, especialmente a hecho políticos y económicos.


Sala 2
Marta Minujín. Revuélquese y viva, 1964
Sala 2
Luis Felipe Noé. Introducción a la esperanza, 1963
Glauco Rodríguez.  A conquista da terra, 1971

Antonio Dias. Glutão, 1965

Anna Maria Maiolino. Glu... glu...glu..., 1967






La propuesta de Herkenhoff apunta a advertir la inserción de los artistas en corrientes vanguardistas internacionales, y sus propuestas impregnadas de una carga simbólica arraigada a lo local, impulsadas por motivaciones distintas a las problemáticas norteamericanas. En este punto, el curador recupera un circuito artístico en ambos países, en un momento en “que coinciden en ser las economías más fuertes de la región y poseer un intercambio fluido con las corrientes artísticas internacionales”[4]. Además de los escenarios antiinstitucionales que cruzaron las fronteras de los museos y galerías para hacerse en y con el espacio urbano, en las calles.

Sala 3.
Obra colgada: Helio Oiticica. Bandera-poema: seja marginal, seja herói, 1968
Sala 4

Sala 4

Sala 4
Helio Oiticica. Parangolé P17 capa 13 "Estou posseudo", 1967-1986. Parangolé P21 CApa 17 "Guevaluta", 1968-1986










Así, la muestra está organizada en grupos temáticos: Mitos, enfocados en las imágenes icónicas del Che, Coca-Cola y Cristo. El lugar del sujeto, reúne obras de la nueva figuración, con las problemáticas que fueron reiteraivas a este movimiento, asociadas a las reflexiones sobre la situación del hombre en la sociedad global y de consumo. Los curadores recuperan de manera especial el desempeño de las artistas femeninas y su activo papel en el escenario cultural de entonces. Lo popular, “los artistas pop argentinos ejecutan una suerte de folklore urbano mientras, en paralelo, Berni retrata el entorno cultural de las clases humildes. En Brasil, la influencia de las favelas, las escuelas de samba o las herencias indígenas encuentran la vía en la reproducción de algunos artistas de esta época”.[5]
 Medios de comunicación, en el contexto de la Guerra Fría, las estrategias de información establecidas por los centros políticos capitalistas que tienen el control comunicacional, subvertidos a través de la contrainformación. Las masas como término y propósito de la sociedad global que tiende a borrar las identidades, llevando indiferenciaciones que avizoran la anulación del sujeto. La política retoma la Revolución Cubana como acontecimiento paradigmático y utópico, con una fuerte repercusión en el resto de los países de Latinoamérica, y que en Brasil y la Argentina es abrazada por los artistas a través de imágenes que revelan un activismo en torno a este conflicto político y las guerrillas.
 La economía es abordada como un posicionamiento crítico ante el capitalismo y la sociedad de consumo, y de la irremediable radicalización riqueza-pobreza. El panorama internacional es planteado a través de los intercambios entre ambos países, iniciándose con la Bienal de San Pablo como espacio de encuentro, los consecuentes intercambios entre el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y la Argentina, a la figura de Romeo Brest como promotor e incentivador de acercamientos entre ambos circuitos culturales, al Instituto Di Tella, a la Galería Bonino con una de sus sedes en Río de Janerio, a las Bienales Americanas de Arte de Córdoba, entre otras. Y finalmente, la antiinstitución, como respuesta de los artistas a la necesidad salir de los espacios legitimadores de los museos y galerías, actuando con una visión interdisciplinaria, en ámbitos distintos a los tradicionales, llegando a públicos más amplios.

Bibliografía
ALONSO, Rodrigo. Imán: Nueva York. Arte argentino de los años 60. Buenos Aires, Fundación Proa, 2010
ALONSO, Rodrigo. Sistemas, acciones y procesos. 1965-1975. Buenos Aires, Fundación Proa, 2011.
GIUNTA, Andrea. Vanguardia, internacionalismo y política (Arte argentino en los años sesenta), Buenos Aires, Paidós, 2001.
HERKENHOFF, Paulo. Arte de contradicciones. Pop, realismos y política. Brasil-Argentina 1960. Buenos Aires, Fundación Proa, 2012.
HERRERA, María José. “Gestión y discurso”, en AA.VV., TRAMA. Programa de cooperación y confrontación entre artistas, n° 2. Buenos Aires, Fundación Espigas, 2003.



[1] Entrevista realizada por el Blog del Guerrero, en: http://blogcentroguerrero.org/2007/03/entrevista-a-paolo-herkenhoff/. Bajado el  15 de septiembre de 2012.
[2] Prólogo del catálogo de la exposición a cargo de Adriana Rosenberg, presidenta de la Fundación Proa. Paulo Herkenhoff. Arte de contradicciones. Pop, realismos y política. Brasil-Argentina 1960, Buenos Aires, Fundación Proa, 2012, p. (s/n).
[3] Mencionamos algunas de las instituciones y coleccionistas que colaboraron con el préstamo de obras:  Museu de Arte de São Paulo Asis Chateaubriand, Museu de Arte do Rio de Janeiro, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu do Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo de Bellas Artes Evita- Palacio Ferreyra, Museo Nacional de Bellas Artes, Projeto Helio Oitica, entre otras. En total dieciséis instituciones culturales más coleccionistas privados y artistas en São Paulo, Rio de Janerio y Buenos Aires.
[4] Paulo Herkenhoff. Arte de contradicciones. Pop, realismos y política. Brasil-Argentina 1960. Buenos Aires, Fundación Proa, 2012, p (s/n). Folleto de sala.
[5] Idem

lunes, 12 de noviembre de 2012

BOLTANSKI BUENOS AIRES / FLYING BOOKS / HOMENAJE A BORGES



Ex Biblioteca Nacional
Curadora: Diana B. Wechsler
México 564, Buenos Aires, Argentina
Del 12 de octubre al 16 de diciembre de 2012
+54 11 4362 4874

Yo que me figuraba el paraíso bajo la especie de una biblioteca
Jorge Luis Borges

            “La instalación-sitio específico se realiza en el espacio que fuera la sala central de lectura del edificio de la ex Biblioteca Nacional y que Jorge Luis Borges dirigiera entre 1955 y 1973. Se trata de un conjunto de más de 500 libros suspendidos en la sala, que “vuelan” y se mecen con una tenue brisa. Con su presencia, colores, formas, tamaños y sonido del movimiento de esas miles de hojas, restauran la vida de un espacio singular. Durante el tiempo que dure la instalación se realizarán una serie de espectáculos que integrarán libros, música y danza.”

Texto: Diana Wechsler
Curadora  






Referencias tomadas de:
Boltanski Buenos Aires. UNTREF, MUNTREF, Buenos Aires, Argentina, octubre 2012.
Publicación periódica editada en ocasión del proyecto expositivo.  

Enlaces de interés relacionados con Boltanski:
http://www.analitica.com/bitblioteca/mer/boltanski.asp

BOLTANSKI BUENOS AIRES / MIGRANTES /



Museo Hotel de Inmigrantes
Curadora: Diana B. Wechsler
Martes a domingos de 12 a 20hs.
Del 12 de octubre al 16 de diciembre de 2012
Av. Antártida Argentina 1201, (Entrada de la Escuela de Ciencias del Mar – Apostadero naval), Ciudad Autónoma de Buenos Aires
+54 – 4317.0285 / 
Entrada gratuita


Lo que trato de hacer con mi trabajo es plantear preguntas, hablar de cosas filosóficas, no por historias a través de palabras sino por historias a través de imágenes visuales. Hablo de cosas efectivamente muy simples, comunes a todos. No hablo de cosas complicadas. Lo que intento hacer es que la gente se olvide que es arte y piense que es la vida. Para dar esta impresión de vida me sirvo de medios artificiales, del arte; no es la realidad, hago un teatro; trato de que el espectador en ese momento olvide que está en un museo.
Christian Boltanski

“Boltanski construye singulares archivos-colecciones a partir de fragmentos, en esa estética austera, despojada, en esos climas entre sorpresivos y melancólicos que genera en sus modos de ocupar los espacios, es donde se revela su modo de ver, su modo de señalar un lugar en el mundo. Algo que se ve especialmente marcado en trabajos como el que aquí se presenta. Sus instalaciones ordenan fragmentos, recogen piezas aisladas para construir con ellas series de objetos que, en su conjunto, resultan poderosos disparadores de memoria, capaces de actualizar pasados y activar sentidos diversos.
            Esta intervención-instalación fue pensada por Boltanski específicamente para Buenos Aires y para este sitio, el Hotel de Inmigrantes. Tomando como punto de partida los archivos históricos que registraron cada uno de los migrantes llegados a nuestro país, albergados en este edificio, se escuchan una serie de 500 voces que, como susurros, interpelan al espectador de manera simultánea y sucesiva desde distintas fuentes. Dicen, en el idioma de origen del migrante: nombre y apellido, edad, ocupación y fecha de llegada, datos que proceden del archivo. Este murmullo, acompañado por una atmósfera tenuemente iluminada, introduce en una experiencia que conecta con la memoria y el pasado de nuestra sociedad y a la vez con el de la propia historia. Dos instalaciones luminosas con juegos de sombras y otras con fotos sobre telas, abrigos, sillas antiguas y otros materiales contribuyen a hacer presentes a aquellos que por aquí alguna vez transitaron e invitan también a pensar la cuestión de las migraciones en la actualidad.”

Texto introductorio a la muestra: Diana Wechsler
Curadora 



















Referencias tomadas de:
Boltanski Buenos Aires. UNTREF, MUNTREF, Buenos Aires, Argentina, octubre 2012.
Publicación periódica editada en ocasión del proyecto expositivo.  










domingo, 11 de noviembre de 2012

BOLTANSKI BUENOS AIRES / OBRAS /




El arte es un constante ir y venir entre lo personal y lo colectivo. Si el trabajo del artista funciona, logra hablar a gente muy diferente que va a sentir lo mismo, o al menos algo análogo. Un artista solo puede hablar de lo que está entre él y los otros. Se habla siempre de una especie de experiencia común. Muchas experiencias humanas son comunes, todos tenemos igual miedo frente a la muerte, un anhelo de armonía, la búsqueda de Dios, el sexo, el asombro frente a la belleza de la naturaleza. Hay cinco o seis temas tratados por los artistas desde el inicio de los tiempos. Lo más importante es que cada uno de nosotros es único pero al mismo tiempo siempre, rápidamente, llega el olvido.
Christian Boltanski

MUNTREF - Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero
Curadora: Diana B. Weschler
Desde el 12 de octubre hasta el 16 de diciembre de 2012
Valentin Gómez I
Valentin Gómez 4838-Caseros-Provincia de Buenos Aires, Argentina
+54 – 4759-3528 / 3578  / 0049 interno 4

 Boltanski Buenos Aires es un proyecto extenso que incluye varias salas y presentaciones diferentes. En nuestro museo, elegimos exhibir una selección de piezas clave del artista en donde es posible recorrer distintos momentos de su trayectoria, así como descubrir en cada obra los elementos constitutivos de su lenguaje y las formas que asumen las nociones de memoria, archivo, identidad, vida, muerte en su programa estético-artístico.
            En los procesos socio-culturales de la modernidad tardía, la que transitamos en estos últimos 30 años, el par de conceptos memoria y olvido se convirtió en uno de los dispositivos de las indagaciones sobre pasados y presentes diversos. La obra de Boltanski, centrada fuertemente en lo autobiográfico en los primeros tramos de su deriva creadora, fue proyectándose de lo singular a lo plural y en este proceso transita de la recuperación de una memoria personal, familiar a otra, más anónima, de carácter colectivo. Allí, el concepto de “archivo” fue uno de los que vertebró sus estrategias productivas y con él, se dio paso a la construcción de distintos mapas de memoria a través de las producción de dispositivos visuales, sonoros, teatrales de gran capacidad evocadora, haciendo de cada obra, de cada intervención, un disparador para revisar –desde distintas perspectivas- la condición humana.
            Esto es lo que, a mi parecer, ha convertido a Boltanski en artista “faro”, ya que ha tenido la capacidad de poner “a la vista” aspectos de la dimensión cotidiana que intervienen y han intervenido en la historia, desde los que exhibe la singularidad y a la vez lo plural y anónimo de la existencia. Así, la colección de latidos de corazón, o las de los sucesos ocurridos en el mundo cada 6 de septiembre (fecha de su nacimiento), por ejemplo, aluden justamente a esta dualidad entre lo singular y lo anónimo como distintivo de la condición humana moderna”.

Texto de sala: Diana B. Wechsler


Coeur
Instalación audiorítmica, lámpara incandescente, espejos negros
"300 espejos negros iluminados sólo por una lamparita incandescente
que se enciende y apaga al ritmo de los latidos del corazón
del artista que suenan en el espacio". D.W.




Monuments
Instalación



Leçon de tenébre


Instalación
Cajas de galletas, fotografías, lámparas de escritorio


Reserve: La fête de Purim
Fotografías, lámparas de escritorio, cajas de galletitas




Véronique
Fotografía dentro de una caja iluminada


Reserve
Instalación, ropa usada y 10 lámparas de escritorio


Étre a nouveau
Video instalación



Les bébés…
Instalación de fotografías y lámparas


Le 6 septembre
Video instalación
"Incluye tres proyecciones a velocidad de algunos segundos de noticieros
fílmicos y de video de cada 6 de septiembre -fecha de nacimiento del artista-
es una obra interactiva en la que el público puede detener aleatoriamente 
algunas de las proyecciones". D.W.


Referencias tomadas de:
Boltanski Buenos Aires. UNTREF, MUNTREF, Buenos Aires, Argentina, octubre 2012.
Publicación periódica editada en ocasión del proyecto expositivo.  


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PUBLICACIÓN: EL BOLÍVAR DE TORANO

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